Recenzja Hamnet: Jak Chloé Zhao zamienia tragedię Szekspira w medytację o żałobie
Hypercritic
Nic nie przekracza granic życia tak jak sztuka. Reżyserka i rekordzistka nagrody Akademii, Chloé Zhao, doskonale to rozumie. Po swoim nagrodzonym dramatem Nomadland z 2020 roku, azjatycka twórczyni powróciła z nową adaptacją powieści Maggie O'Farrell z 2020 roku, Hamnet. Zhao współpracowała z O'Farrell przy scenariuszu, tworząc wersję zarówno wierną, jak i poruszającą — kinowe reinterpretacje początków Hamleta Williama Szekspira.
Nic nie przekracza granic życia tak jak sztuka. Reżyser nagrodzony Oscarem i rekordzistka Chloé Zhao doskonale to rozumie. Po swojej nagrodzonej dramatycznej produkcji z 2020 roku Nomadland, azjatycka reżyserka powróciła z nową adaptacją powieści Maggie O'Farrell z 2020 roku Hamnet. Zhao współpracowała z O'Farrell przy scenariuszu, tworząc wersję wierną i zarazem poruszającą — kinowe reinterpretacje początków Hamleta autorstwa Willliama Shakespeare’a.
Hamnet przenosi uwagę na Agnes (Jessie Buckley), żonę Williama Shakespeare’a, której wewnętrzne życie okazuje się równie niezwykłe co jej męża. Bez monumentalnej aury otaczającej jego postać, Shakespeare (Paul Mescal) jest przedstawiany jako początkujący dramatopisarz i pogrążony w żałobie ojciec, którego utrata syna, Hamnet, inspiruje do twórczości. Dzięki temu portretowi, Zhao zmienia narrację z dziedzictwa literackiego na intymne, visceralne doświadczenie żałoby.
Wyprodukowany przez Stevena Spielberga (Amblin Entertainment) i Sama Mendesa (Neal Street Productions), między innymi, Hamnet miał premierę na 52. Międzynarodowym Festiwalu Filmowym w Telluride 29 sierpnia 2025 roku. Film wywarł wrażenie na krytykach i widzach i jest jednym z faworytów tego sezonu nagród, otrzymując osiem nominacji do 98. Oscarów.
- Od powieści do filmu: adaptacja Hamnet autorstwa Chloé Zhao
- Przyroda i symbolika w Hamnet
- Śmierć Hamnetu i tragedia za Hamletem
- Żałoba i moc uzdrawiania sztuką w Hamnet
- Jessie Buckley i Paul Mescal w Hamnet autorstwa Chloé Zhao
- Tworzenie Hamnet: zdjęcia, muzyka i produkcja
- Nagrody, odbiór i krytyczna reakcja na film Zhao
Od powieści do filmu: adaptacja Hamnet autorstwa Chloé Zhao
Jako naturalne przedłużenie pracy O'Farrell, Chloé Zhao przenosi widzów do XVI-wiecznego Stratford-upon-Avon, rodzinnego miasta Williama Shakespeare’a. Podczas badań nad swoją powieścią, O'Farrell współpracowała z Shakespeare Birthplace Trust, aby odtworzyć życie Anny Hathaway na podstawie dostępnych ograniczonych źródeł historycznych. Nazwawszy ją Agnes, autorka tchnęła nowe życie w postać, która od dawna była na marginesie historii.
Zhao zachowuje i pogłębia ten punkt widzenia. Nasycona wyraźnym kobiecym spojrzeniem, historia odmawia przedstawiania Agnes wyłącznie jako „żony wielkiego dramatopisarza”. Zamiast tego, ukazywana jest jako złożona, dominująca i niemal mistyczna obecność. Zamiast ograniczać ją do roli drugoplanowej, historia podkreśla jej siłę, niezłomną indywidualność i wrażliwość. Zhao uchwyca gesty i wyrazy Agnes, konsekwentnie ukazując ją w centrum kadru, pozwalając, by to znaczenie się wyłoniło. Agnes jest odporna i niepokorna, nigdy nie ograniczona do przestrzeni domowej jako symbol ograniczeń. Zamiast tego, kadrowanie nadaje jej stanowczą obecność i wzmacnia jej sprawczość.
W przeciwieństwie, imię Shakespeare’a nigdy nie pada w powieści O'Farrell. Zamiast tego, jest on definiowany przez swoje role rodzinne jako mąż, ojciec i syn, co osadza go w ludzkim wymiarze. Hamnet przekłada ten wybór narracyjny na język wizualny, który przewija się niemal w każdym kadrze.
Hamnet otrzymał mieszane recenzje. Niektórzy krytycy twierdzą, że może stać się nowoczesnym klasykiem kina, podczas gdy inni uważają, że jest sztuczny i emocjonalnie manipulujący. „Tworzenie czegoś, co ma wywołać łzy, nie jest dowodem na mistrzowskie rzemiosło filmowe,” napisał The Independent krytyk filmowy Patrick Sproull w niedawnym recenzji. Według Sproulla, Zhao złagodziła artystyczny styl swojego debiutu, tworząc film mający szeroką publiczność, w którym aktorstwo staje się zbyt wyraziste i histeryczne. Dążąc do wywołania głęboko emocjonalnej reakcji, film ryzykuje popadnięcie w voyeurizm. Jednak, ponieważ Hamnet jest wynikiem twórczego partnerstwa między Zhao a O'Farrell, teatralność filmu wydaje się być celowym wyborem stylistycznym, jakby chcieli, by cały film przypominał scenę teatralną.
Przyroda i symbolika w Hamnet
Film zaczyna się od ujęcia z góry Agnes leżącej wśród powykręcanych korzeni drzew. Wydaje się zawieszona w lesie, jakby jastrząb złapał ją w locie. Szeleszczące liście i trzaskające gałązki zdają się do niej mówić, nadając naturalnemu otoczeniu tajemniczą i niemal świadomą obecność. Od początku przyroda jawi się jako łono, żywa istota z bijącym sercem i pulsującymi żyłami. Agnes ma opinię; ludzie szepczą, że jest córką lasowej czarownicy, która obdarzyła ją tajemniczymi mocami i niepokojącą aurą. Po śmierci matki, rodzina rolnicza wychowała Agnes i jej brata Bartholomew (Joe Alwyn), ale zawsze postrzegali ją jako outsiderkę.
Spotyka Williama w miejscu, które przypomina ponadczasowy Eden. Biegają po drzewach, śmiejąc się i łapiąc oddech, wolni, by być sobą. Ukryci w lesie, ich miłość pozostaje nietknięta przez sprzeciw rodzin. William jest zmagającym się z nauką łaciny nauczycielem i synem szewca, obdarzonym talentem pisarskim. Ona jest czarownicą, która potrafi zaglądać w duszę człowieka jednym dotknięciem.
Chociaż Hamnet unika sztywności tradycyjnego historycznego utworu, kostiumy nadal odgrywają kluczową rolę dzięki Malgosi Turzańskiej, nominowanej do Oscara projektantce kostiumów. William nosi głównie niebieski, a Agnes czerwony, tworząc wyraźny kontrast między cywilizacją a naturą. Zhao ukazuje te jako męskie i żeńskie.
W miarę rozwoju fabuły, kostiumy postaci pomagają im wcielić się w role i sugerują ich emocjonalną ewolucję. Sukienki Agnes stają się zużyte i niemal podarte, a ubranie jej męża nosi wyraźne rozcięcia. To tak, jakby żałoba i ból, które noszą, powoli stawały się widoczne.
Śmierć Hamnetu i tragedia za Hamletem
Para wita swoje pierwsze dziecko, Susannę (Bodhi Rae Breathnach). Tak jak sugerowała jej zmarła matka w tajemniczym śnie, Agnes rodzi ją w lesie. Później rodzi bliźnięta, Judith (Olivia Lynes) i Hamnet (Jacobi Jupe). Judith jest znacznie słabsza od Hamneta. William wyjeżdża do Londynu, by rozwinąć interes ojca i podążać ścieżką teatru. Życie rodziny zmienia się na zawsze, gdy Hamnet umiera podczas epidemii dżumy.
Agnes usiłuje utrzymać przy życiu syna, korzystając z naturalnych metod, które zawsze znała. Czuje, jak ziemia pęka pod jej stopami, gdy Hamnet bezwładnie opada w jej ramiona, ostatecznie poddając się prawom natury. W niezapomnianym, nieplanowanym momencie, Jessie Buckley daje poruszające wystąpienie, krzycząc w sposób, który wydaje się zarówno starożytny, jak i niezmiernie prawdziwy. Długi, zbliżeniowy kadr skupia się na jej twarzy, gdy krzyk cichnie, potęgując żałobę Agnes i wciągając widza w przytłaczającą intensywność jej bólu. Gdy stajemy wobec straty bliskiej osoby, zostajemy z bólem i pustką. Zhao zanurza się w tym surowym, chaotycznym żalu, starając się nadać mu sens.
Żałoba i moc uzdrawiania sztuką w Hamnet
On, Agnes widzi, zrobił to, czego każdy ojciec by sobie życzył, zamieniając cierpienie swojego dziecka na własne, zajmując jego miejsce, ofiarując się w zamian, by chłopiec mógł żyć. Powie to swojemu mężowi później, po zakończeniu przedstawienia, po ostatnim milczeniu, po tym, jak zmarli pojawią się, by zająć swoje miejsce w szeregu aktorów na skraju sceny.
Maggie O'Farrell, Hamnet
Po tragedii, oboje żyją równoległe życie, każdy na swój sposób radząc sobie z żałobą. Kiedyś dumna i dzika, Agnes błąka się przez życie, nie mogąc ruszyć naprzód. William z kolei rzuca się w wir swojej sztuki, szukając wśród widowni swojego syna, jakby mógł tam być. Film osiąga punkt kulminacyjny, gdy Agnes potajemnie uczestniczy w premierze Hamleta w Teatrze Globe. Na początku słyszenie imienia syna wydaje się zdradą. Jednak ostatecznie zaczyna to postrzegać jako hołd dla krótkiego, lecz znaczącego życia Hamneta i transformacyjnej, uzdrawiającej i katartycznej mocy sztuki.
Spektakl teatralny kończy się jako kolektywne doświadczenie. Starszy brat Jacobi, Noah Jupe, gra Hamleta, który ogarnięty emocjami, zatacza się na skraj sceny po zatruciu. Agnes sięga po jego rękę, a cały widownia, nawet ta na balkonach, stopniowo podąża za nią. Gdy sztuka żywo odzwierciedla życie, granica między rzeczywistością a fikcją zaciera się. Ta ostatnia scena wywołuje niemal magiczny impuls, przekraczając granice życia i dając Agnes ostatnią szansę na pożegnanie z synem.
Film opowiada na nowo mit Orfeusza i Eurydyki, w którym jedno spojrzenie wyraża zarówno głęboką miłość, jak i nieuniknione rozstanie. Jednak gdy postaci powtarzają refren "Popatrz na mnie", podważają los tragicznej opowieści, ukazując, że strata nie musi być trwała i że sztuka oferuje sposób radzenia sobie z żałobą, którą pozostawia.
Reżyseria Zhao dodaje kolejną warstwę do metanarracyjnej struktury powieści. Rozważa jak sztuka może przemieniać żałobę, zachować pamięć i tworzyć przestrzeń do ponownego wyobrażania sobie życia. Ten koncept pojawia się również w Sentimental Value Joachima Trei, gdzie główny bohater, filmowiec, nawiązuje kontakt ze swoją odseparowaną córką poprzez swój najnowszy film. Zmagając się z miłością, stratą i niewypowiedzianym bólem, pisze scenariusz, który służy jako dialog, którego nie ma odwagi przeprowadzić w rzeczywistości. Ironią jest, że oba filmy są kandydatami do nadchodzących Oscarów. Choć różnią się stylem i kontekstem, oba podkreślają szerszą fascynację kinem, jak opowiadanie historii porusza pamięć i ludzkie więzi. Jednak w recenzji dla Roger Ebert, krytyk filmowy Christy Lemire argumentowała, że Hamnet traci na sile w porównaniu, z powodu przesadzonego aktorstwa i dydaktycznego tonu. Preferowała subtelność i niewypowiedziane elementy, które dominują w filmie Trei.
Jessie Buckley i Paul Mescal w Hamnet autorstwa Chloé Zhao
Ze znakomitą umiejętnością oddania emocji, obsada Hamnet ożywia historię, która mimo że w dużej mierze fikcyjna i osadzona wieki temu, wydaje się głęboko uniwersalna. Historia trafia w każdy ton, szczególnie najbardziej bolesne. Pomimo młodego wieku, występ Jacobi Jupe ujawnia niezwykłą dojrzałość emocjonalną. Gdy opuszcza scenę i wchodzi w las, ponownie wchodzi w ciemną, głęboką otchłań, która prześladuje film od jego początkowych scen. Ten obraz przywołuje Matkę Naturę, która potrafi dawać i odbierać życie, inspirując zarówno strach, jak i ukojenie w czasach żałoby. Obecność Hamneta tam trwa, zawieszona pośród kwitnących drzew wiosny.
Buckley już wcześniej udowodniła swój talent w poprzednich rolach. Jednak zaskoczyła widzów ponownie, sięgając po coś niemal pierwotnego w sobie, by wcielić Agnes. Według Buckley, granie tej roli było jak największy występ w życiu. „Myślałam sobie: 'To jest ta kobieta, której szukałam'” — mówi w notatkach prasowych. „Jest nieujarzmiona, wolna, głęboko ciekawa, jak rodzaj żytniej whisky, figlarska, głodna, piękna dusza kobiety. Po prostu ją kocham.”
Na ekranie, Agnes ukazuje się jako córka lasu. Dzięki sztuce Buckley, wydaje się być przedłużeniem naturalnego świata wokół niej. Jej ruchy są organiczne i instynktowne, a jej spokój niesie taką samą siłę. Magnetyczna obecność fizyczna Buckley zakotwicza postać, komunikując jej siłę i bunt. Z kolei Paul Mescal podszedł do swojej roli, rozważając psychologiczne tło, które mogło zainspirować Shakespeare’a do napisania Hamleta. Jego występ jest introspektywny i powściągliwy, z niewielkimi wybuchami emocji. Ta subtelność zachęca widzów do zaangażowania się w wewnętrzną walkę postaci. Ich kontrastujące, lecz uzupełniające się style tworzą kinowy dialog, który wzmacnia napięcie w sercu filmu.
Podczas 46-dniowego zdjęcia w Wielkiej Brytanii, obsada nawiązała więź przypominającą rodzinę, co przyczyniło się do autentyczności ich końcowego występu. Aby uczcić ten moment, tańczyli razem do utworu Rihanny „We Found Love” w ostatni dzień zdjęć. Wideo z tańca stało się viralem.
Tworzenie Hamnet: zdjęcia, muzyka i produkcja
Współpraca Zhao z polskim operatorem Łukaszem Żalem ukształtowała wizualną tożsamość filmu. Każdy element jest zaprojektowany z symetrią i wyważeniem. Film wyobraża świat jako kompleksową scenę, na której postaci mogą wchodzić i wychodzić niespodziewanie, pod czujnym okiem śmierci. Oświetlenie Żala jest proste, lecz sugestywne. Kontrastuje sceny lasowe Agnes, skąpane w naturalnym świetle, z wnętrzami oświetlonymi świecami, odzwierciedlającymi przytłaczające poczucie duszenia się Williama. Z tego powodu zdecydowali się na zdjęcia cyfrowe, aby uzyskać ostrzejsze kolory i wzmocnić wizualną intensywność filmu.
Dodatkowo, reżyser współpracował z nominowanym do Oscara kompozytorem Maxem Richetem, tworzącym hipnotyzującą muzykę do Hamnet. Czerpiąc inspirację z epoki elżbietańskiej, Richet skomponował serię utworów nazwanych „Color Studies”. Te kompozycje muzyczne towarzyszą opowieści, podkreślając jej cykl życia i śmierci. Zhao odtwarzała tę muzykę na planie, aby ustawić nastrój i pomóc aktorom w dotarciu do emocjonalnej tekstury ich występów. Muzyka głównie korzysta z orkiestrowych instrumentów i wokali, by wywołać głębokie, niewypowiedziane uczucia, które często nie mogą być wyrażone słowami. Słynny utwór Richeta „On the Nature of Daylight” pojawia się w końcowych momentach filmu. Ze swoim cichym, lecz stopniowo narastającym crescendo, muzyka przemienia żałobę Agnes w uwolnienie, gdy wybucha gorzkim, bolesnym śmiechem.
Nagrody, odbiór i krytyczna reakcja na film Zhao
Hamnet otrzymał sześć nominacji na 83. Złote Globy, zdobywając nagrodę dla najlepszego filmu dramatycznego i najlepszą aktorkę w filmie dramatycznym dla Jessie Buckley. Na 79. Brit Awards film zdobył nagrodę BAFTA za wybitny brytyjski film, a Buckley otrzymała nagrodę dla najlepszej aktorki pierwszoplanowej. Z osiem nominacjami, w tym Najlepszy film, Najlepszy reżyser, Najlepszy scenariusz adaptowany i Najlepsza aktorka, 98. ceremonia Oscarów zbliża się wielkimi krokami, a oczekiwania są wysokie.
Gdy życie wydaje się ograniczające, sztuka jest idealnym narzędziem do przetrwania upływu czasu. Wizualne aspekty filmu, występy i design łączą się, tworząc atmosferę magicznego realizmu. Adaptacja Zhao przenosi widzów do innego świata, prowadząc ich w intymną podróż, gdzie ból spotyka się z pięknem, a życie z śmiercią.
Sztuka przemienia prywatną stratę w wspólną pamięć. Ostatnie słowa Hamleta, „Reszta to cisza”, brzmią jak upiorne błaganie lub klątwa. Gdy widzowie po obu stronach ekranu desperacko sięgają po niego, dzielą wspólny żal i przekraczają delikatną granicę między obecnością a nieobecnością.