Hamnet Recension: Hur Chloé Zhao förvandlar Shakespeares tragedi till en meditation om sorg
Hypercritic
Ingenting överskrider livets gränser lika mycket som konst. Akademiprisbelönade regissören och rekordhållaren Chloé Zhao förstår detta väl. Efter sin prisbelönta drama från 2020, Nomadland, har den asiatiska filmaren återvänt med en ny anpassning av Maggie O'Farrells roman från 2020, Hamnet. Zhao samarbetade med O'Farrell om manuset och levererade en version som är både trogen och förkrossande – en filmisk omtolkning av William Shakespeares Hamlet.
Ingenting överskrider livets gränser lika mycket som konst. Oscarsbelönad regissör och rekordhållare Chloé Zhao förstår detta väl. Efter sin prisbelönta 2020-dramafilm Nomadland har den asiatiska filmskaparen återvänt med en ny anpassning av Maggie O'Farrells 2020-roman Hamnet. Zhao samarbetade med O'Farrell om manus, och levererade en tolkning som är både trogen och förkrossande—en filmisk omtolkning av William Shakespeares Hamlet ursprung.
Hamnet flyttar fokus till Agnes (Jessie Buckley), William Shakespeares fru, vars inre liv visar sig vara lika extraordinärt som hennes makes. Utan den monumentala auran som omger hans karaktär porträtteras Shakespeare (Paul Mescal) som en blivande dramatiker och en sörjande far vars förlust av sin son, Hamnet, inspirerar hans verk. Genom denna skildring omtolkar Zhao berättelsen från ett litterärt arv till en intim, visceral upplevelse av sorg.
Producerad av Steven Spielberg (Amblin Entertainment) och Sam Mendes (Neal Street Productions), bland andra, hade Hamnet premiär vid 52:a Telluride Film Festival den 29 augusti 2025. Filmen imponerade på kritiker och publik och är en av favoriterna i denna prisäsong, efter att ha fått åtta nomineringar till 98:e Oscarsgalan.
- Från roman till film: Chloé Zhaos adaptation av Hamnet
- Natur och symbolik i Hamnet
- Hamnets död och tragedin bakom Shakespeares Hamlet
- Sorg och konstnärens helande kraft i Hamnet
- Jessie Buckley och Paul Mescal i Chloé Zhaos Hamnet
- Tillverkningen av Hamnet: Cinematografi, musik och produktion
- Priser, mottagande och kritiskt gensvar på Zhaos film
Från roman till film: Chloé Zhaos adaptation av Hamnet
Som en naturlig förlängning av O'Farrells verk tar Chloé Zhao publiken till 1500-talets Stratford-upon-Avon, William Shakespeares hemstad. Under sin research för romanen samarbetade O'Farrell med Shakespeare Birthplace Trust för att rekonstruera Anne Hathaways liv med hjälp av den begränsade historiska evidens som finns tillgänglig. Genom att kalla henne Agnes ger författaren nytt liv åt en figur som länge varit begränsad till historiens marginaler.
Zhao bevarar och fördjupar detta perspektiv. Med en tydlig kvinnlig blick vägrar berättelsen att enbart porträttera Agnes som "den store dramatikerns fru." Istället skildras hon som en komplex, kommando- och nästan mystisk närvaro. Istället för att placera henne i en stödjande roll, lyfter berättelsen fram hennes styrka, obekymrad individualitet och känslighet. Zhao fångar Agnes gester och uttryck, och ramar in henne i mitten av bilden, så att denna mening kan träda fram. Agnes är motståndskraftig och obekymrad, aldrig begränsad till det inre rummet som en symbol för begränsning. Istället ger inramningen henne en självsäker närvaro och förstärker hennes agens.
Till skillnad från detta nämns aldrig Shakespeare i O'Farrells roman. Istället definieras han av sina familjeroller som make, far och son, vilket förankrar honom i det mänskliga planet. Hamnet översätter detta berättelseval till ett visuellt språk som genomsyrar nästan varje bildruta.
Hamnet har fått blandade recensioner. Vissa kritiker menar att det kan bli en modern kultklassiker inom samtida film, medan andra hävdar att den känns konstgjord och känslomässigt manipulerande. "Att skapa något som är avsett att få dig att gråta är inte bevis på skicklig filmkonst," skrev The Independent filmkritikern Patrick Sproull i en nyligen recension. Enligt Sproull har Zhao tonat ner den konstnärlighet som visades i hennes debutproduktion, och skapat en film som är avsedd att tilltala en bred publik, där skådespeleriet blir övertydligt och histrioniskt. I strävan att framkalla en djupt känslomässig reaktion riskerar filmen att glida in i voyeurism. Men eftersom Hamnet är resultatet av ett kreativt samarbete mellan Zhao och O'Farrell, tycks filmens teatralitet vara ett medvetet stilistiskt val, som om de ville att hela filmen skulle kännas som en scenpjäs.
Natur och symbolik i Hamnet
Filmen inleds med en översiktsbild av Agnes som ligger bland de knotiga trädens rötter. Hon verkar vara svävande i skogen som om en hök hade fångat henne i flykten. De prasslande löven och knäckta kvistar tycks tala till henne, ger den naturliga omgivningen en mystisk och nästan kännande närvaro. Från början framstår natur som en livmoder, en levande entitet med ett slagande hjärta och pulserande ådror. Agnes har ett rykte; folk viskar att hon är dotter till en skogskvinna som gav henne mystiska krafter och en oroande aura. Efter hennes mors död uppfostrades Agnes och hennes bror Bartholomew (Joe Alwyn) av en jordbrukarfamilj, men de såg alltid henne som en outsider.
Hon möter William på en plats som känns som en tidlös Edens lustgård. De springer genom träden, skrattar och andas tungt, fria att vara sig själva. Skyddade av skogen förblir deras kärlek orörd av familjens ogillande. William är en kämpande latinlärare och son till en handsksmed, med en talang för att skriva. Hon är en häxa som kan se in i en persons själ med ett enda beröring.
Även om Hamnet undviker den stelhet som ofta präglar en traditionell periodfilm, spelar kostymerna fortfarande en nyckelroll tack vare Malgosia Turzanska, den Oscarsnominerade kostymdesignern. William bär mestadels blått, och Agnes bär rött, vilket skapar en tydlig kontrast mellan . Zhao ramar in dessa som maskulina och feminina.
Allt eftersom berättelsen utvecklas hjälper karaktärernas kostymer dem att gestalta sina roller och antyda deras känslomässiga utveckling. Agnes klänningar blir slitna och nästan trasiga, och hennes makes kläder bär tydliga slits. Det är som om sorgen och smärtan de bär på sakta blir synliga.
Hamnets död och tragedin bakom Shakespeares Hamlet
Paret välkomnar sitt första barn, Susanna (Bodhi Rae Breathnach). Precis som hennes avlidna mor hade föreslagit i en kryptisk dröm, föder Agnes henne i skogen. Senare får hon tvillingar, Judith (Olivia Lynes) och Hamnet (Jacobi Jupe). Judith är mycket svagare än Hamnet. William flyttar till London för att utöka sin fars verksamhet och satsa på en karriär inom teatern. Familjens liv förändras för alltid när Hamnet dör under en pestenedgång.
Agnes kämpar för att hålla sin son vid liv med hjälp av de naturliga botemedel hon alltid har känt till. Hon känner jorden skälva under sina fötter när Hamnet faller orörlig i hennes armar och till slut ger efter för naturens lagar. I ett oförglömligt, oregisserat ögonblick levererar Jessie Buckley en hjärtskärande prestation, skrikande på ett sätt som känns både uråldrigt och ouppnåeligt verkligt. Den långdragna, närbilden stannar vid hennes ansikte när skriket tystnar, förstärker Agnes sorg och drar in publiken i den överväldigande intensiteten av hennes smärta. När vi konfronteras med förlusten av en älskad, lämnas vi sårade och tomma. Zhao kastar sig huvudstupa in i denna råa, kaotiska sorg, och strävar efter att ge den mening.
Sorg och konstnärens helande kraft i Hamnet
Han har, ser Agnes, gjort vad vilken far som helst skulle önska, att byta sitt barns lidande mot sitt eget, att ta hans plats, att erbjuda sig själv i barnets ställe så att pojken kan leva. Hon kommer att säga allt detta till sin man, senare, efter att pjäsen är slut, efter att den sista tystnaden har fallit, efter att de döda har stigit fram för att ta sin plats i linjen av skådespelare vid scenens kant.
Maggie O'Farrell, Hamnet
Efter tragedin lever de två parallella liv, var och en kämpar med sorgen på sitt eget sätt. En gång stolta och vilda, kämpar Agnes sig fram genom tillvaron, oförmögen att gå vidare. William, å andra sidan, kastar sig in i sin konst, söker publiken efter sin son som om han skulle kunna vara där, precis utom räckhåll. Filmen når sin kulmen när Agnes i hemlighet närvarar vid premiären av Hamlet på Globe Theatre. Inledningsvis känns det som ett svek att höra sin sons namn. Men hon kommer så småningom att se det som en hyllning till Hamnets korta men meningsfulla liv och till konstens transformerande, helande och katartiska kraft.
Teaterstycket utspelar sig slutligen som en kollektiv upplevelse. Jacobis äldre bror, Noah Jupe, spelar Hamlet, som överväldigas av känslor och stapplar till scenens kant efter att ha blivit förgiftad. Agnes sträcker ut handen mot honom, och hela publiken följer efter, även de i de övre balkongerna. När konst levande skildrar livet, suddas gränsen mellan verklighet och fiktion ut. Detta sista ögonblick tänder en nästan magisk gnista, som överskrider livet och ger Agnes en sista chans att säga farväl till sin son.
Filmen berättar om myten om Orfeus och Eurydike, där en enda blick förmedlar både djup kärlek och oundviklig avsked. Men, när refrängen "Titta på mig" upprepas av karaktärerna, undergräver de den tragiska berättelsens öde, och visar att förlust inte behöver vara permanent och att konst erbjuder ett sätt att hantera sorgen den lämnar efter sig.
Zhaos regi tillför ytterligare ett lager till romanens metanarrativa struktur. Den reflekterar över hur konst kan omvandla sorg, bevara minnet och erbjuda en plats för att omtolka livet. Detta koncept framträder också i Joachim Triers Sentimental Value, där huvudpersonen, en filmare, återförenas med sin frånvarande dotter genom sin senaste film. Kampande med kärlek, förlust och outtalad smärta, skriver han ett manus som fungerar som den dialog han saknar mod att ha i verkligheten. Ironiskt nog är båda filmerna nominerade till de kommande Oscars. Trots att de skiljer sig i stil och kontext, lyfter båda filmer fram en bredare filmisk fascination för hur berättande navigerar minne och mänsklig kontakt. Men, i en recension för Roger Ebert, hävdade filmkritikern Christy Lemire att Hamnet förlorar i effekt när den jämförs sida vid sida, på grund av överdrivet skådespeleri och didaktisk ton. Hon föredrog den subtilitet och de outtalade elementen som dominerar Triers film.
Jessie Buckley och Paul Mescal i Chloé Zhaos Hamnet
Med sömlös talang och känsla ger casten i Hamnet liv åt en berättelse som, trots att den till stor del är fiktiv och utspelar sig för århundraden sedan, känns djupt universell. Berättelsen träffar varje ton, särskilt de mest smärtsamma. Trots sin unga ålder visar Jacobis prestation en anmärkningsvärt mogen känslomässig insikt. När han lämnar scenen och går in i skogen, återvänder han till det mörka, grottlika tomrummet som har hemsökt filmen sedan dess öppningsscener. Denna bild framkallar en Moder Natur som kan ge och ta liv, och inspirerar både skräck och tröst i tider av sorg. Hamnets närvaro dröjer sig kvar där, svävande bland vårens blommande träd.
Buckley hade redan bevisat sin talang genom tidigare roller. Men hon överraskade återigen publiken genom att gräva djupt i något nästan ursprungligt inom sig för att gestalta Agnes. Enligt Buckley kändes det som den största prestationen i livet att spela denna roll. "Jag tänkte, 'Det här är kvinnan jag letat efter,'" säger hon i pressmeddelandena. "Hon är obunden, fri, djupt nyfiken, som en sorts rysk whiskey, busig, hungrig, vacker själ av en kvinna. Jag älskar henne."
På film framstår Agnes som en dotter av skogen. Genom Buckleys konstnärskap verkar hon vara en förlängning av den naturliga världen omkring henne. Hennes rörelser är organiska och instinktiva, och hennes stillhet bär samma intensitet. Buckleys magnetiska fysiska närvaro förankrar karaktären, och förmedlar hennes styrka och utmaning. Omvänt närmade sig Paul Mescal sin roll genom att reflektera över den psykologiska bakgrunden som kan ha inspirerat Shakespeare att skriva Hamlet. Hans prestation är introspektiv och restriktiv, med få synliga utbrott. Denna subtilitet bjuder in tittaren att engagera sig i karaktärens inre kamp. Deras kontrasterande men komplementära stilar skapar en filmisk dialog som förstärker spänningen i filmens kärna.
Under de 46 dagarna långa filminspelningarna i Storbritannien utvecklade skådespelarna en familjeliknande samhörighet, vilket bidrog till äktheten i deras slutprestation. För att fira dansade de tillsammans till Rihannas "We Found Love" på den sista inspelningsdagen. En video av dansen blev viral.
Tillverkningen av Hamnet: Cinematografi, musik och produktion
Zhaos samarbete med den polske cinematografen Łukasz Żal formade filmens visuella identitet. Varje element i filmen är utformat med symmetri och elegans. Filmen föreställer sig världen som en omfattande scen där karaktärer kan komma och gå oväntat, under den dödligas vaksamma närvaro. Żals belysning är enkel men suggestiv. Han kontrasterar Agnes skogsscener, badande i naturligt ljus, med ljus inomhus av stearinljus som speglar Williams överväldigande känsla av kvävning. Därför valde de digital filmning för att få skarpare färger och förstärka filmens visuella intensitet.
Utöver detta samarbetade regissören med den Oscarsnominerade kompositören Max Richter för att skapa den suggestiva musiken till Hamnet. Inspirerade av Elizabethanska eran komponerade Richter en serie stycken som han kallade "Color Studies." Dessa musikaliska kompositioner följer berättelsen och understryker dess livs- och dödscykel. Zhao spelade in musiken på plats för att skapa stämning och hjälpa skådespelarna att komma åt den känslomässiga texturen i sina prestationer. Musiken använder främst orkestrala instrument och vokaler för att framkalla djupa, ouppnåeliga känslor som ofta inte kan uttryckas i ord. Richter är känd för sin låt "On the Nature of Daylight", som är med i filmens avslutande scener. Med sin tysta men stadigt ökande crescendo förvandlar musiken Agnes sorg till frigörelse när hon utbrister ett bittert, värkande skratt.
Priser, mottagande och kritiskt gensvar på Zhaos film
Hamnet nominerades till sex priser vid 83:e Golden Globe-galan och vann bästa film – drama samt bästa kvinnliga huvudroll för Jessie Buckley. Vid 79:e BAFTA-galan vann filmen BAFTA för bästa brittiska film, och Buckley tog hem priset för bästa kvinnliga huvudroll. Med åtta nomineringar, inklusive bästa film, bästa regi, bästa anpassade manus och bästa kvinnliga huvudroll, närmar sig den 98:e Oscarsgalan med höga förväntningar.
När livet känns begränsande är konst det perfekta verktyget för att uthärda tidens gång. Filmens visuella uttryck, skådespeleri och design samverkar för att skapa en känsla av magisk realism. Zhaos anpassning förflyttar tittaren till en annan värld, och guidar dem på en intim resa där smärta möter skönhet och livet kolliderar med döden.
Konst förvandlar privat förlust till en gemensam minnesbild. Hamlets sista ord, “The rest is silence,” låter som ett spöklikt rop eller en förbannelse. När publiken på båda sidor av skärmen desperat sträcker sig efter honom, delar de en gemensam sorg och korsar den sköra gränsen mellan närvaro och frånvaro.